O coração de Frederico Fellini, aos 73 anos, não pode mais suportar o esforço e parou.

Fellini nasceu em Rimini em 20 de janeiro de 1920, a cidade litorânea que seria cenário, 33 anos depois de "Os Boas-vidas". Deixou Rimini aos 17 anos para ser chargista de uma revista em Florença, demonstrando ser excelente desenhista e caracturista. Logo depois, passou a escrever pequenos roteiros e piadas para comediantes. Seus mestres no cinema foram Rossellini, para quem trabalhou em vários projetos, inclusive "Roma, Cidade Aberta", que se tornou o marco do Neo-Realismo. Fellini colaborou com vários filmes desse movimento cinematográfico.

Quando criança, fugiu de casa para seguir um circo (sendo dias depois devolvido aos pais), daí teriam nascido os exóticos personagens que povoam seu universo.

Em 24 filmes, o mago Fellini criou um universo próprio povoado por uma galeria inconfundível de personagens e deixou obras-primas como "A doce Vida" e "Oito e meio".

Um artista que simbolizava a rara união da originalidade com a popularidade, privilegiava a imaginação, o surrealismo, a fantasia e a nostalgia. Foram 40 anos dirigindo e criando filmes poéticos e inquietantes.
Apesar de consagrado e venerado em todo o mundo, a julgar pelas declarações dos seus últimos anos, Fellini morreu desiludido com a missão que abraçou com fervor religioso, o cinema.
Para ele este veículo andava perdendo "seu fascínio, seu prestígio, sua autoridade". E sentenciou: "A imagem perdeu sua força de sedução onírica. A TV banalizou não só essas imagens como a percepção delas."

O universo cinematográfico de Fellini era como circo-cinema, uma vez que o cinema possuía a mesma força e coragem do circo, numa mistura de técnica, precisão e improvisação.

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Confira amanhã: Em 1968, Elizabeth II chega ao Brasil
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Romeu e Julieta, no João Caetano, representada por estudantes

"Os apreciadores da arte cênica terão a agradável oportunidade de rever a Itália do coração, a Itália romanesca e sentimental, através da interpretação do Teatro do Estudante da mais delicada das tragédias de Schakespeare - Romeu e Julieta."

Sob o patrocínio da Sra. Getúlio Vargas e de um numeroso grupos de senhoras da alta sociedade, com a presença das autoridades da República, realiza-se hoje, às 21 horas no João Caetano a premiere de Romeu e Julieta. A interpretação constitui um tríplice ineditismo no Brasil: a criação, do "Teatro do Estudante" com a exigência permanente de interpretação em linguagem correta e pura da peça e o elenco exclusivamente estudantil.


Interpretam a tragédia os estudantes Sonia Oiticica (Julieta) e Paulo Porto (Romeu) entre outros. Sonia Oiticia nos dará uma esplêndida Julieta, fraca e bela, ingênua e lírica. Paulo Porto um ótimo Romeu, apaixonado e patético, enfrentando com o seu amor todos os obstáculos, até a morte.

A peça é sublime como tudo o que produziu o gênio inglês Shakespeare.
A idéia de se criar o teatro estudantil, pertence a Pascoal Carlos Magno e recebe de pronto a mais expontânea adesão da Sra. Ana Amélia Carneiro de Mendonça, que dirige os destinos da Casa do Estudante.
Os estudantes abraçaram a iniciativa sendo os responsáveis por toda a produção do espetáculo.

Pascoal Carlos Magno conduziu durante várias décadas o movimento teatral estudantil, promovendo festivais, realizando intercâmbio de grupos facilitando e incentivando a evolução profissional de numerosos artistas e encenadores.

É imensa sua contribuição ao desenvolvimento do teatro no Brasil.



Amanhã: Em 1945, A Queda do Estado Novo +++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

A tarde nublada e o salão vazio retratavam uma tristeza sem fim ao velório de Di Cavalcanti, no Museu de Arte Moderna. Eis que surge Glauber Rocha: "Um, dois, três, ..., dez, onze, doze... Corta! Agora, dá um close na cara dele". Com seu jeito tipicamente despojado de ser, o cineasta dava ordens ao câmera, Mario Carneiro, e ambos rodeavam o corpo do pintor em busca dos melhores closes, desde o pé até a cabeça. Ninguém viu Glauber entrar. Quando perceberam, já estava agitando em torno do caixão.

Surpreendidos pela excêntrica cena, num ambiente de sofrimento, familiares e amigos, espantados, reprovaram a iniciativa de Glauber, que recebeu um compreensível pedido da filha adotiva do pintor, Elizabeth, para interromper aquele mórbido espetáculo. "Não se preocupe. Esta é a minha homenagem a um amigo que morreu. Estou aqui filmando a minha homenagem ao amigo Di Cavalcanti. Agora, dá licença que preciso trabalhar", fez pouco caso Glauber, retomando a gravação.


Pouco depois, Glauber foi novamente questionado. Dessa vez respondeu à curiosidade de um jornalista: "Acredite em mim. Você acha que eu iria fazer uma coisa que não fosse bonita? Ele era um artista e isto é bonito. É uma coisa certa. Não estou fazendo isto para ninguém. É para mim, que gostava tanto dele", garantiu. E continuou dando as coordenadas, filmando tudo até o fim do enterro.

E Glauber disse a verdade. Finalizou seu filme e, no ano seguinte, lançou o documentário "Ninguém Assistirá Ao Enterro Da Tua Última Quimera, Somente A Ingratidão, Aquela Pantera, Foi Sua Companheira Inseparável!, - Di Cavalcanti di Glauber", uma homenagem cinematográfica póstuma. A exibição do filme foi interditada pela justiça no mesmo dia, quando da concessão de uma liminar pela 7a. Vara Cível, ao mandado de segurança impetrado pela filha do pintor, Elizabeth Di Cavalcanti.

O documentário recebeu o Prêmio Especial do Júri durante o Festival de Cannes em 1977. Veja aqui o trabalho de Glauber Rocha!





Emiliano Augusto Cavalcanti, pintor e poeta, foi um boêmio, um cidadão do mundo que trazia três capitais na alma - Rio de Janeiro, São Paulo e Paris. Uma das principais figuras da Semana de Arte Moderna, foi, apesar de sua natureza indisciplinada, um artista engajado. Ardente cantor das mulheres, fez delas o tema principal da sua pintura.



Confira amanhã: 1978 - Caso Herzog: União é culpada
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Em 1981 Pablo Ruiz Picasso faria 100 anos. Nascido em Málaga, Espanha, em 25 de outubro de 1881, Picasso é o artista que mais se adaptou à representação que fazemos da modernidade.

Seu talento para o desenho e as artes plásticas foi observado desde sua infância. Destacou-se em diversas áreas das artes plásticas: pintura, escultura, artes gráficas e cerâmica.

A vida de Picasso e a sua obra se entrelaçam e formam uma coisa só. As suas mulheres e a sua arte estão inextrincavelmente misturadas. O surgimento de uma nova parceira freqüentemente sinalizava uma mudança de direção artística.



Suas obras podem ser divididas em fases: Na Fase Azul (1901-1904) o artista dá uma atenção toda especial aos elementos marginalizados da sociedade. Na Fase Rosa (1905-1907) suas obras ganham uma conotação lírica. O Período Africano (1907-1909) foi inspirado pelas esculturas ibérica e africanas. Pintou "Les Demoiselles d'Avignon", um dos grandes trabalhos da arte cuja característica principal é a desconstrução da realidade humana. Foi o trabalho mais importante em direção ao desenvolvimento do cubismo e da abstração.
Com a sua participação na montagem de ballets, Picasso começa a desenvolver em sua pintura temas extraídos da Commedia dell' Arte. Em 1919 assume formas realistas.


Em 1937, no auge na Guerra Civil Espanhola pinta o seu mural mais conhecido: Guernica.
Na década de 1940, como no início de sua carreira, apodera-se das esculturas primitivas, temas mitológicos. E na década de 1960 recria pinturas dos grandes mestres, como Manet, Murillo ou então a famosa releitura de Las Meninas, de Velázquez.
Picasso fez absolutamente tudo o que está a nossa volta hoje, legados que por muitas décadas ainda darão espaço a explorações. Faleceu em casa, na França no dia 8 de abril de 1973.




Amanhã: Em 1976 - A morte de "Di Cavalcanti di Gláuber"
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"Boa sorte, Maestro!". Assim, o apresentador Hilton Gomes comandava o início de cada apresentação do espetáculo musical mais concorrido da década de 60: o Festival Internacional da Canção Popular.

A história do FIC começou a ser escrita naquela noite de sábado, no Maracanãzinho, com "Guerra e Paz", na voz de Penha Maria. Outras 35 músicas foram interpretadas na primeira edição do festival, lançando o Rio de Janeiro no calendário febril dos festivais musicais, até então restrito a São Paulo: O que ficou de nós dois, Saveiros, Canto triste, O amor é chama,





Confira amanhã: 1956 - O histórico vôo de Santos Dumont
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Um dos mais importantes diretores do cinema francês, morreu em Paris aos 52 anos, num momento em que seu talento era mais uma vez reconhecido com a estréia de "Vivement Dimanche!" (Finalmente Domingo!), seu último filme, que homenageia Alfred Hitichock, inspirador máximo de sua obra. Foi um dos fundadores da "nouvelle vague", movimento que renovou o cinema francês, herdeiro da tradição humanística do cinema de Jean Renoir. Os temas principais de sua obra foram as mulheres, a paixão e a infância.


Sua infância foi conturbada e solitária, restando como consolo o escuro das salas de exibição cinematográfica. Aos 15 anos já estava envolvido no trabalho cineclubista e foi convidado a trabalhar na revista Cahiers du Cinéma em itálico pelo famoso crítico André Bazin. Com seus colegas da redação, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer e Claude Chabrol, começou a desenvolver seus filmes.

Seu primeiro filme, Os Incompreendidos, é um resumo autobiográfico da experiência vivenciada pela desagregação do lar. Enquanto exorcizava sua memória afetiva, Truffaut construiu uma sólida carreira de cineasta. Variava de vez em quando o tom de sua cinedramaturgia, mas sempre deixando, em cada filme, a marca de sua sensibilidade.

Truffaut realizou filmes geniais como Jules e Jim - Uma Mulher para Dois, Fahrenheit 451, Beijos Proibidos, Garoto Selvagem, Sereia do Mississipi, O Homem que Amava as Mulheres, Amor em Fuga, O Último Metrô e outros, virgula em que está impresso o amor por seus personagens e por seu ofício, o cinema.

Truffaut, o homem que amava o cinema, ensinou milhares de espectadores do mundo inteiro a também amar o cinema, e a conhecer Paris.

Morreu de câncer no cérebro em um dia de outono parisiense de céu cinzento.

Amanhã: Em 1966 primeiro Festival Internacional da Canção ++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++++

O mundo inteiro comemora, com exaltação artística, a data de 17 de outubro de 1949, primeiro centenário da morte dessa figura sem par na história da música que foi Frédéric François Chopin. Romântico na mais alta acepção da palavra, pelo seu temperamento introspectivo, pelo seu físico doentio, pela sua profunda sensibilidade, criou Chopin uma música que marcou uma época na evolução musical.

A vida de Chopin divide-se em duas partes. A primeira na Polônia, com o início de seus estudos, sua formação artística; a segunda, em Paris, para onde partiu com o coração ferido pela invasão da Rússia à sua pátria. Nasceu em Varsóvia a 8 de fevereiro de 1810. Era uma criança pálida, doentia, sensível, com uma verdadeira atração pela música, que lhe provocava estranha emoção, arrancando-lhe lágrimas.

Aos 15 anos compunha o seu primeiro trabalho, o "Rondó em dó menor", iniciando a sua deslumbrante carreira de compositor. Chegou em Paris em 1831, encontrando um ambiente artístico digno de sua presença. Grandes nomes imperavam nos salões e teatros da cidade, mas Chopin se tornou soberano.

Em sua estréia em Paris a platéia aplaudiu enquanto Liszt, que estava na primeira fila, recebia as notas como se fossem centelhas de um gênio. Era uma força nova que surgia para dar à música um brilho ainda maior. Chopin era o poeta da música e sua lira era o piano. Começou, assim o triunfo de Chopin em Paris, onde permaneceu durante dezenove anos, adotando a Capital da França como sua segunda pátria.

Alguns dias antes de falecer, pediu que seu corpo pertencesse à França, e que o seu coração, como relíquia mais fulgente, ficasse para sempre em Varsóvia, na Igreja de Santa Cruz.

Chopin, mais do que da Polônia, pertence ao Mundo inteiro, maravilhosamente "tocado" pelas harmonias que ele nos legou.

Amanhã: Em 1967, à procura de vida em Vênus
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Morreu Elzier Segar, o criador de Popeye, aos 43 anos. O cartunista que a partir de uma simples idéia de propaganda de espinafre em lata, no singular, chegou a um personagem mundialmente conhecido.

Popeye foi criado em 1929 para uma tira chamada Timble Theather, de um jornal nova-iorquino. O humor de Elzie Seagar caracterizou o país e a época em que viveu. Segar trouxe um personagem novo ao cenário humano – inventando traço por traço, expressão por expressão, com os seus músculos - que se distendem sob a ação do espinafre e do cachimbo preso aos lábios para toda a eternidade.
Morre o criador mas fica a criatura, como escreveu Benjamin Costallat, autor do artigo do JB em 1938: "O desaparecimento de Segar não impede que Popeye continue a viver. Ele já está marcado e standartizado pelo traço original do trêfego marinheiro em todas as suas aventuras futuras com a sua noiva ossuda e o seu rival barbudo. Enquanto houver latas de espinafre, Popeye brigará para a alegria dos nossos olhos que ficarão devendo ao grande caricaturista que morreu, esse espetáculo do ridículo humano, mas um ridículo simpático e quase confortador, em contraste com o que encontramos fora da tela, diariamente, pela vida e que não tem a graça de Popeye, nem a sua coragem magnífica..." Benjamim Costallat.


Amanha: Em 1964, Martir Luter King recebe Prêmio Nobel da Paz
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La Môme Piaf
A grande senhora da música francesa de todos os tempos era uma mulher de corpo franzino, voz marcante e semblante triste. Foi lançada à sorte na vida artística noturna de uma Paris marginal do começo dos anos 30. Trouxe resquícios da infância miserável à margem de uma família desestruturada, agruras que procurou compensar na incansável procura do amor, um amor autêntico e único. Em todas as canções refletiu essa sua necessidade de amar e ser amada, como auto-retratos. Fez de sua arte o veículo de emoções comuns e de seus dramas particulares dramas de todo mundo: amor, solidão, pobreza, ciúme, medo.

Piaf nos deixou. E a música popular francesa perdeu não apenas a voz de uma grande intérprete, mas também sua maior legenda.

Mais de sua história e obra, pode ser conferida, a partir de amanhã, em circuito nacional, com a estréia de Piaf, um hino ao amor. Confira aqui!


Confira amanhã: 1931 - A inauguração do Cristo Redentor
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A carreira artística de Ruth Elizabeth Davis seguiu suas características pessoais. Na década de 30, quando a mulher ideal era subliminar, retratando beleza exuberante e ingenuidade, ela desbravou uma nova trajetória naquele universo de onipotência masculina. Dona de expressivos olhos azuis e exímia capacidade de interpretação, construiu papéis intensos, marcados por personagens imponentes, emancipadas, autoritárias, colocando em evidência um comportamento feminino nada convencional para a época. Amarga e malvada, dramática e heroína, colecionou uma reputação notável protagonizando mais de 80 filmes. Foi garçonete calculista, aristocrata egocêntrica, cega, louca, mãe-solteira, amante, traidora, decadente.












Confira amanhã: Em 1971, Mequinho, o grande mestre
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